Sandro Botticelli

Autorretrato, Sandro Botticelli
1445-1510

El artista florentino nacido el 1 de marzo de 1445 integró la escuela de Florencia durante la segunda mitad del “cuattrocento”

Siendo el menor de cuatro hijos del matrimonio entre Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi y su esposa Smeralda nació en un barrio de trabajadores en el arrabal de Ognissanti.
Se convirtió en aprendiz a los 14 años de edad por lo que se cree que recibió una educación más completa que otros artistas renacentistas. Accediendo a sus deseos su padre lo envió al taller del maestro Fray Filippo Lippi de quien recibe los conceptos técnicos que más le influenciaron: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (propio del estilo del Gótico tardío). Con el correr de los años Botticelli acabaría siendo maestro del hijo de Felippo Lippi. En 1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó a la par de Leonardo da Vinci. De esta época datan una serie de Madonas influidas por Lippi.
En el año 1470 Botticelli instala su propio taller y su obra se caracteriza por una concepción de la figura como vista en bajorrelieve, pintada con contornos claros, y minimizando los fuertes contrastes de luz y sombra que indicarían formas plenamente modeladas. Este mismo año recibe también un encargo muy importante: una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza, lo cual muestra que para entonces, con unos 30 años de edad, ya debía haber ejecutado obras destacadas.
En 1472 pasa a formar parte de la Compañía de San Lucas, gremio de pintores. En los años siguientes Botticelli consigue un notorio reconocimiento, hasta el punto de ser llamado a Pisa para pintar un fresco en su catedral, el cual actualmente se halla perdido.
Se piensa que gracias a su obra “Adoracion de los magos” pintada en 1475 consigue llamar la atención de los Medicis comenzando a trabajar para ellos pintando un estandarte para el torneo de Juliano de Medicis. Su cercanía con esta familia le posibilitaron obtener protección política y las condiciones ideales para el desarrollo de la parte más rica de su obra, entre las cuales se destacan “La Primavera” pintada hacia el año 1478 Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. “El nacimiento de Venus” es otra de las obras famosas del pintor que aunque no tiene relación con La adoracion de los Magos ni en lugar ni en época, ambas pinturas acabaron juntas a fines de siglo.
La fusión entre temas religiosos y seculares, y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte lo convierten en el máximo exponente del neoplatonismo en la época, moldeando esta visión del mundo con la elegancia intelectual y representación exquisita de los sentimientos.
En estas obras la influencia del realismo gótico está suavizada por el estudio que Botticelli hace de la Antigüedad. La complejidad de los significados de sus obras se centra principalmente en las obras literarias de la poesía y la filosofía de los humanistas contemporáneos del pintor. Sin embargo las obras no se basan en un texto en particular sino en un conjunto de ideas expresadas en más de una obra literaria. Vasari caracteriza la belleza de estos trabajos como ejemplificadora de “la gracia”.
En 1481, el Papa Sixto IV encarga a un grupo de artistas prominentes florentinos y umbríos, entre ellos a Botticelli, para que pintasen frescos en las paredes de la Capilla Sixtina cuya temática debía ser “la supremacía del papado” Para realizar la obra, los pintores tuvieron que aceptar serie de convenciones representativas comunes a todos, de manera que la obra final resultara homogénea: usaban la misma escala de dimensiones, la misma estructura rítmica y representación paisajística, una sola gama cromática con adornos de oro que hiciera resplandecer las pinturas con la iluminación de las antorchas y las velas. En esta obra Botticelli contribuyó con tres recuadros: Castigo de Core, Datan y Abiram, Hechos de la vida de Moisés y La tentación de Cristo.
Después de su estancia en Roma (1481-1482), Botticelli volvió a Florencia, y «siendo de mente sofisticada, allí escribió un comentario sobre un pasaje de Dante e ilustró el Infierno que él mismo imprimió, dedicándole mucho tiempo, y esta abstención al trabajo condujo a serios desórdenes en su vida». Así hablaba Vasari del primer Dante impreso (1481) con las decoraciones de Botticelli, no imaginándose que el nuevo arte de la impresión pudiera interesarle a un artista.
En los años 1480 Botticelli trabajó en un gran ciclo de frescos con Perugino, Ghirlandaio y Filippino Lippi para la villa de Lorenzo el Magnífico cerca de Volterra; además, pintó muchos frescos en iglesias florentinas.
En 1491 Botticelli formó parte de un comité para decidir la fachada de la catedral de Florencia.
En 1492 murió Lorenzo el Magnífico. El rey Carlos VIII de Francia irrumpe en Florencia en 1494, expulsando a Pedro de Médicis. Savonarola se hizo el líder de la ciudad, estableciendo una República que abominaba de todo aquello que representaban los Médicis como los objetos de lujo y los cuadros pintados por Botticelli. Sandro era intensamente religioso. En estos últimos años de su vida su producción se caracteriza por la inquietud.
El 7 de febrero de 1497 Savonarola, el gran predicador del juicio final, que con sus predicaciones profundizo un notable cambio en el ámbito religioso, intelectual, y social de Florencia, llevo a cabo la más célebre Hoguera de las vanidades («Falò delle vanità»): reunieron objetos que representaban la relajación moral con el fin de hacerlos arder en la Plaza de la Señoría. En esta hoguera ardieron unas cuantas obras de Botticelli. El 4 de mayo de ese mismo año, una revuelta popular acabó con el dominio de Savonarola, quien murió el día 23 en la hoguera, pero para entonces el ambiente intelectual había cambiado de manera irreversible.
Botticelli realizó entre 150 y 180 obras.[] Pintó numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones seculares, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras composiciones.
Se dice que en ocaso de su vida cayó en la pobreza, y que habría muerto de hambre de no ser por la diligente ayuda de sus antiguos patrones. Aun en esas condiciones sigue produciendo obras, en un tono más dramático y con una consciente regresión estilística hacia modelos antiguos, como puede verse en la serie sobre la Vida de san Cenobio y la Natividad mística (1501), consideradas sus últimas obras. La lápida en la iglesia de Ognissanti, donde figura con su verdadero apellido: Filipepi
No se conoce amor concreto de Botticelli, ni alusión a excesos sentimentales; tenía «horror al matrimonio».No se casó nunca. Fue denunciado anónimamente en 1502 de sodomía con uno de sus ayudantes, pero los cargos fueron más tarde desestimados. En 1504-1505 aparece como miembro del comité que iba a decidir la ubicación del David de Miguel Ángel.
Del año 1502 es su famoso escrito relativo a la realización de una especie de periódico conocido como beceri, de carácter satírico, destinado en su mayor parte a alegrar la lectura de los nobles de la sociedad renacentista. Tal proyecto, sin embargo, quedó en eso, no siendo nunca llevado a término.
Murió el 17 de mayo de 1510 y fue sepultado en su parroquia, la iglesia de Ognissanti, en Florencia. A su muerte, el único heredero verdadero de su arte fue Filippino Lippi, que comparte con él la inquietud presente en sus últimas obras.

Gustave Courbet

Gustave Courbet
(1819-1877)
impulsor del realismo

Abriendo una nueva entrega en la sección de los grandes Maestros del Arte, el Manicomio ofrece en esta oportunidad la vida y obra del fundador y máximo exponente del realismo Gustave Courbet, su trayectoria su vida y su trágico fin.

Gustave Courbet (Ornans, Francia, 10 de junio de 1819 – La Tour-de-Peilz, Suiza, 31 de diciembre de 1877) fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático.
Nació en un pueblo próximo a Besançon, en el Doubs francés, cuyo paisaje refleja en sus cuadros. Estudió en Besançon y luego en París (1840). Sus padres deseaban que emprendiese la carrera de Derecho, pero al llegar a París se volcó en el arte.
Viajó a Holanda (1846) y Alemania (1853). Como él, sus amistades eran contrarias al academicismo artístico y literario; entre ellas se cuenta a Baudelaire, Corot y Daumier. A partir de la revolución de 1848, Courbet fue etiquetado de "revolucionario peligroso".
En 1855 expuso algunas de sus obras en el Palacio de las Artes de la Exposición Universal de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia algunos de sus cuadros decidió inaugurar una exposición individual ubicada en las proximidades del campo de Marte, a la que bautizó con el nombre de "Pabellón del Realismo". Entre las obras que exhibió en dicho lugar cabe mencionar El taller del pintor, en el que retrataba a todas las personas que habían ejercido cierta influencia en su vida.
Tuvo fama de arrogante y efectista; afirmaba que "si dejo de escandalizar, dejo de existir". Algunos le achacaban que provocaba escándalos sólo para entretener a las clases biempensantes y que, en realidad, su arte se mantenía fiel a cierta exquisitez formal. Sin embargo, otras voces como Delacroix lamentaban que Courbet malgastaba su habilidad, al elegir temas sin un contenido elevado y no "cribar" de ellos muchos detalles "innecesarios".
A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de Honor, pero la rechazó. Afirmaba que quería morir "como hombre libre, sin depender de ningún poder ni religión", si bien accedió a participar en el breve gobierno de la Comuna de París de 1871. De él, el filósofo Proudhon, "padre" del anarquismo, quiso hacer un pintor proletario. Creía que el arte podría subsanar las contradicciones sociales.
Durante la Comuna se le encargó la administración de los museos de París. Tras caer dicho gobierno, el gobierno posterior le responsabilizó de la destrucción de la columna Vendôme dedicada a Napoleón Bonaparte. Un consejo de guerra lo condenó a seis meses de prisión y a pagar 300.000 francos. Al salir de la cárcel escapó a Suiza (1873) para evitar que el Estado le obligara a pagar la multa; era tan alta que debía ser liquidada a lo largo de 30 años.
Murió en La Tour du Peilz, localidad próxima a Vevey, víctima de una cirrosis producida por su consumo abusivo de alcohol.

Obra:
En un primer momento, pinta el paisaje, especialmente los bosques de Fontainebleau y retratos, con algunos rasgos románticos. Pero a partir de 1849 es decididamente realista. Courbet es de hecho el "fundador" del realismo y se le atribuye la invención de dicho término.
Escoge temas y personajes de la realidad cotidiana, sin caer en el "pintoresquismo" o "folclorismo" decorativo. Su técnica es rigurosa con el pincel, con el pincel plano y con la espátula, pero su mayor innovación es la elección de temas costumbristas como motivos dignos de los grandes formatos, que hasta entonces se reservaban a "temas elevados": religiosos, históricos, mitológicos y retratos de las clases altas. Reivindicaba la honestidad y capacidad de sacrificio del proletariado y afirmaba que el arte debía plasmar la realidad. En 1867 expone nuevamente en la Exposición Universal de París. Influye y aconseja a los primeros impresionistas
Su naturalismo combativo es patente en sus desnudos femeninos, donde evita las texturas nacaradas e irreales tomadas de la escultura neoclásica. Plasma formas más carnales e incluso el vello corporal que habitualmente se omitía en los desnudos académicos. Ejemplo claro de ello es El origen del mundo.
Sus referencias son los maestros del pasado como Velázquez, Zurbarán o Rembrandt. Su realismo se convierte en modelo de expresión de muchos pintores, contribuyendo a enriquecer la obra de Cézanne.

Autoentrevista

No era conocido hasta hoy que el manicomio cuenta con un equipo periodístico de chiflados que se encargan de la parte investigativa de cada material que se expone. Ellos son los que buscan, analizan, editan… gran parte del laburo del manicomio se lo debemos a ellos. A este equipo se le ocurrió la idea de entrevistar artistas, para la sección “critica y análisis del arte” Aquí ofrecemos la entrevista que nos ofreció uno de los más destacados artistas de este manicomio: “el loco” en su pequeño estudio en la ciudad de córdoba. Nos recibió el día 5/6/09 ni bien llegamos lo encontramos escribiendo para el manicomio. Vestido con unos jeans viejos, una campera verde y turquesa llena de manchas de tinta, una remera verde con una mancha de lavandina y un cuello polar puesto de sombrero en la cabeza Aquí dejamos el dialogo de nuestro equipo periodístico (EP) con el artista plástico de este mes, El loco responde a todo:


EP:- Bueno primeramente muchísimas gracias por invitarnos a tu estudio y ofrecernos un rato de tu tiempo que sabemos es bastante apretado ¿no?
El Loco:- Si más o menos, todo trato de encajarlo en un tiempo que a veces no me da, pero uno se las rebusca, lo que no se puede hacer hoy se deja para mañana.
EP:- Sos un tipo que se toma su tiempo para todo ¿no? Al menos eso me muestran los cuadros que tenés sin terminar.
El Loco:- ¡ha! ¿Esos? (señala el caballete) si, bueno en realidad quien más que yo quisiera verlos terminados, pero hago muchas cosas a la vez, a veces me adelanto mucho con la mente. Mi cabeza y mi boca muchas veces va más rápido que mi mano, pero no lo veo como algo malo, hay que dejar que la mano se tome su tiempo para buscar la excelencia en cada obra.
EP:- ¿Sos perfeccionista?
El Loco:- No, si lo fuera terminaría en la enorme lista de artistas que murieron en una frustrante desesperación por no haber obtenido en sus obras la perfección. No creo que haya artistas perfectos, porque son hombres, no existen los dioses del arte. Yo busco la excelencia, y no es conformismo, es ajustarse a la realidad, pienso que el arte radica en equivocarse lo menos posible…
EP:- ¿Entonces el arte para vos no admite azar? ¿Hay concepto de correcto e incorrecto en el arte?
El Loco:- El arte si admite el azar, pero también soy un absoluto convencido de que el arte tiene una ley divina y absoluta de lo correcto y lo incorrecto.
EP:- ¿Cómo sería eso?
El Loco:- claro, o sea, mira el impresionismo, una de las cosas por las cuales es tan difícil hacer una reproducción precisa de una obra impresionista es porque combina el elemento del azar, el pincel no busca el sfumatto fotorealista y detallado del renacimiento, sino plasmar la realidad general de la impresión que causa el paisaje cuando lo vemos. Busca captar el alma de la escena. Donde Pissarro puso la mano, es muy difícil, casi imposible diría yo, que alguien pudiera volverla a poner de la misma forma, con la misma, presión, en el mismo recorrido. El arte si admite el azar. Pero definitivamente tiene leyes…
EP:- ¿Como cuáles?
El Loco:- en su parte estética un ejemplo seria: la misma ley que cuando vos ves una vaca comiendo pasto en un campo al atardecer, a vos te causa esa sensación de “qué lindo lugar” y además te das cuenta que lo que ves es exactamente eso: una vaca comiendo pasto en un campo al atardecer y no otra cosa. Y en su parte moral un ejemplo seria: un bodegón, o una escena de una plaza con niños, no es lo mismo que colgar cerdos muertos en estado de putrefacción en una galería de arte.
EP:- por tus aportes al manicomio sabemos que no te bancas el arte moderno ¿no?
El loco: depende, el impresionismo forma parte de los primeros movimientos del arte moderno, el hiperrealismo es una vanguardia, el surrealismo también. Lo que yo no me banco es que un par de conciencias sucias desvincule el arte del concepto de belleza, estética, racionalidad, virtuosismo y moralidad, y lo convierta en un lenguaje vulgar, agresivo, destructivo, inmoral, irracional y fomentador de la mediocridad.
EP:-¿te consideras una persona frontal?
El Loco:- soy artista, no doy vueltas, si pienso expreso, mi trabajo es expresar ideas, soy un pensador social que tiene ganas de comunicar lo que piensa.
EP:- ¿Por qué decís que algunos artistas de hoy fomentan la mediocridad?
El Loco:- no ojo, yo no dije que fueran artistas, el artista hace arte. Pienso que llames como llames a las cosas, el arte siempre será arte mientras no se salga de aquello que lo convierte en eso. Yo puedo llamar a mil y un cosas arte, y no por eso lo van a ser. El artista para mi es el que hace arte y punto. Si un carnicero quiere llamar arte a su trabajo eso no importa, todos sabemos que el arte se constituye de leyes que lo hacen ser lo que es así como las matemáticas tienen leyes que las hacen ser matemáticas, y son inviolables. A lo que me refería con fomentadores de mediocridad es que últimamente con ese concepto de que “todo es arte” o el otro también conocido “lo que yo llame arte es arte” o “el arte no necesita ser bello, o estético o moral o lógico para ser arte” o “el arte no necesita conocimientos de proporciones, luces sombras, figura humana realista, y otras destrezas por parte de su ejecutor para ser arte ” (ese quizás es el más grave de todos) en fin tantos otros postulados del modernismo que de forma implícita o explícita se translucen en sus autores y trabajos, esos conceptos generan mediocridad. Sobre todo en los estudiantes. Les llegan a hacer pensar a la gente que yo puedo ser un absoluto inútil tratando de dibujar una mano, pero eso si haciendo un par de manchas tiradas sobre un cartón, o atando a un perro callejero durante muchas horas hasta morir en una galería, eso me hace artista. Cualquier persona es capaz de cometer una atrocidad, o algo que no requiere ni el más mínimo de capacidad para hacerlo. No cualquiera es ingeniero porque para serlo tengo que ser un conocedor de la ingeniería. No cualquiera es físico, porque para serlo tengo que ser un conocedor de la física. El arte no es la excepción, es una disciplina más en el campo del conocimiento humano. Por ahí escuche que no es culpa del artista si alguien sin cerebro o sin entendimiento del tema confunde una obra de arte con un montón de manchas que podría hacer un niño de jardín de infantes. Pero lo cierto es que esa propuesta que defiende los postulados del abstracto también es ridícula porque existen cientos de artistas en el mundo que tienen de ese tipo de “arte” la misma opinión, y somos conocedores del arte. Quizás debiéramos dar vuelta el tablero y decir: no es culpa del publico que el artista sea un absoluto inepto en el manejo de las proporciones, las luces la sombra, el color, o un absoluto y desalmado inmoral insensibilizado a todo tipo de conceptos estéticos, y éticos. En el último de los casos el publico (sea del nivel que sea) siempre tiene la razón, porque ellos son los receptores del mensaje, no se les puede atribuir a ellos desconocimiento, porque el arte debe ser interpretado con sentido común (porque es racional), el público no es una manada de simios, y me parece una absoluta falta de respeto el tildarlo de “ignorante”
EP:- Ya hiciste catarsis…
El Loco:- ¡si bastante! (se ríe)
EP:- ¿decidiste ser artista o naciste artista?
El Loco:- uno nace pero también decide. Uno nace con ciertas capacidades, pero después decide si va a desarrollarlas y va a emplearlas para hacer de ello su profesión o no. De ahí que hay tantas personas frustradas con su trabajo, haciendo algo que nunca les gustó.
EP:- O sea, si te gusta ¿es lo tuyo?
El Loco:- No siempre, amo la música, me encanta la música, hasta podría decir que soy adicto a la música, voy al teatro muchas veces al año, y más de una vez tuve una guitarra en mis manos, pero no tengo las aptitudes para hacer música, y hacerla bien. No basta con que te guste, tenés que tener las capacidades.
EP:- y según vos ¿las capacidades se reciben o se generan?
El Loco:- Se reciben ¡siempre! Yo puedo pasármela durante años tratando de aprender a tocar guitarra bien. Quizás logre aprender algo, pero estoy muy seguro de que nadie tocara guitarra mejor que el que recibió las capacidades para hacerlo. El cerebro puede aprender yo no discuto con la ciencia, pero tampoco discuto con lo que Dios muestra. Por eso es que hay gente que sabe algo de cómo hacer las cosas, y gente que las hace de manera grandiosa.
EP:-¿y vos en que grupo te ubicarías?
El Loco:- Depende en que disciplina del conocimiento hablamos. Si hablamos de matemáticas, yo apenas se sumar restar multiplicar y dividir y un par de cositas mas. Si hablamos de futbol soy un absoluto gol en contra. Ahora si hablamos de arte soy un virtuoso en vías de desarrollo, pero yo se que los talentos son prestados, no son míos, acá se trata de lo que Dios me ha dado, no de lo que yo soy, porque me lo dio para que el protagonista sea él.
EP:- ¿Sos muy creyente?
El Loco:- No existen los muy creyentes, los que se catalogan asi mismos muy creyentes deben ser en realidad jactanciosos religiosos, fariseos. Para mí o crees o no crees. Dios me salvo, me cambio la vida, le debo todo lo que soy lo que hago, y el propósito por el que lo hago.
EP:- ¿Reflejas a Dios en tu arte?
El Loco:- mi arte habla sobre él, estoy convencido de que para eso me dio las capacidades. Me lo puedo imaginar a Leonardo Da Vinci rindiendo cuentas ante Dios por la manera en que uso los talentos que él le dio. Yo no me pongo a la par de ese monstruo de Leonardo, pero sé que un día tendré que rendir cuentas de la misma manera por como usé los talentos que Dios me dio a mí, al que se le dio mucho, mucho se le demandara. Quizás yo entre atrás de Leonardo (se ríe)
EP:- ¿Qué es para vos Leonardo?
El loco:- Un maestro.
EP:- ¿Y genio?
El Loco:- También pero vos me preguntaste que era para mí, y para mí Leonardo es un maestro.
EP:- ¿Aprendiste algo de él?
El Loco: ¡Por supuesto! Todo artista debe mirar a los gigantes del pasado si quiere perfeccionarse
EP:- ¿Quienes son para vos los genios del presente?
El Loco:- Es difícil la pregunta. No porque no los haya, sino por lo contrario. Para ponerte un ejemplo: el concepto de genio ha desaparecido. Cuando vos hablas de genio del arte, la gente automáticamente piensa en pasado: Da Vinci, Miguel Angel, Rafael, Rembrandt, Pissarro, Degas y un largo etc… pero es difícil que traten de buscar en el presente. Pienso que por todo ese desgaste que han producido la mayor parte de los movimientos de vanguardia de los que hablamos pestes hace un rato, es por lo cual también ha desaparecido el concepto de genio en la actualidad. Seguro la vanguardia anti figurativa, y anti realista, y anti moral ha creado su propio status de genio, pero como esa misma vanguardia es absolutamente irracional la gente siempre busca en el pasado, porque en el presente no entienden nada de lo que ven. No se puede entender lo irracional. Yo creo que es difícil contestar quienes son los genios actuales porque está lleno, salí a la peatonal en córdoba y quizás te encontrás con varios, dibujan retratando a las personas en la calle, quizás vendiendo oleos por la veinteava parte de su valor artístico real, o quizás publicando en una revista de segunda su primer comic, o peor aún, siendo rechazados por editores de segunda.
EP:- Hablando de eso, ¿estás trabajando en algún comic?
El Loco:- Si desde hace bastante tiempo, es solo que como hago muchas cosas a la vez, y aun no es un comic bajo contrato, (o sea que por ese laburo ahora mismo no veo plata) entonces muchas veces tengo que dejarlo al costado para darle lugar a otras prioridades. Pero trabajo en el siempre que puedo.
EP:- ¿Le pusiste titulo?
EL Loco:- Si, “En nombre de Dios”
EP:- ¿podes dar un adelanto una sinopsis o contar de que trata?
El Loco:- Es sobre las cruzadas. Tomadas desde un punto de vista histórico, pero es también mi critica a las atrocidades que se cometieron pero aun mas que se cometen en nombre de Dios, es algo gravísimo, hiela la sangre, tomar el nombre de Dios en vano es terrible, es algo que no paso de moda, habla del año 1300 pero habla de la misma horrenda realidad porque lo hizo Bin laden en Worl Trade Center y en Madrid, y lo hizo EUA en Afganistán, e Irak, de la misma manera que lo hacia Saladino y la iglesia católica en Jerusalén. En definitiva no importa cuando o donde, es esa bestia en la que el hombre se convierte a causa de su maldad. Pero el comic también habla de salvación, de esperanza y de una nueva vida.
EP:- Sabemos que en tus historias a veces reflejas dramatismo intenso, ¿este comic es igual?
El Loco:- No sé por ahí la gente se imagina que mi vida es un drama, y en realidad nada que ver, pero ponete a pensar, las millonadas de gente que murieron en las cruzadas no son como para hacer una comedia romántica ¿no? Siempre fui sobrio y serio, y no por eso fui “iceman” o un cara de perro amargado. Cada cosa en su lugar ¿no?
EP:-¿Que personaje te caracteriza mas en este proyecto?
El Loco:- Sin dudas Jacques. Aunque todos ellos tienen algo de mí.
EP:- ¿Te basaste en algún conocido tuyo para hacer algún personaje?
El Loco:- Físicamente no, aunque la historia esta aun en proceso y podría surgir alguno con parecido físico también, pero interiormente es muy posible que si
EP:- ¿Qué se te dio por el tema de las cruzadas?
El Loco:- No se fue raro, un día estaba mirando anime, y me gusto el dramatismo de unos ovas, pero que nada que ver la historia con el Medioevo. Después, de pronto empecé a pensar que me gustaría hacer algo bien dramático pero en otra época y lugar y con mucha acción también, y entonces pensé en las cruzadas aunque no estaba decidido, la decisión la tome un día cuando me senté a mirar The Kingdom Of Heaven, esa peli me atrapo tanto, me fanatizó diría yo, que ahí decidí que mi comic tenía que ser basado en ese tema.
EP:- ¿Te gusta la fantasía medieval?
El Loco:- No, la odio. Precisamente por eso me encantó The kingdom of heaven. Se ven pocas producciones que aborden el tema desde un punto de vista histórico realista.
EP:- ¿Por qué esa aversión a lo fantástico?
El Loco:- Pienso que nada impacta mas a una persona que la realidad. Cuando vos ves o escuchas algo, que ya te pasó, o que sabes que podría llegar a pasarte eso te impacta. Los dragones que escupen fuego por la boca son lindos cuando se trata de efectos especiales, la tecnología de hoy le hace creer a tus ojos cosas formidables y eso es grandioso, pero los dragones nunca existieron, son mitología. Pero las catapultas que usaban para bombardear en un asedio podían arrojar bolas de fuego de media tonelada y explotar con más violencia que una granada de mano moderna, ¡y eso fue real! Ahora, ¡imaginate la misma tecnología de efectos especiales aplicada a eso!
EP:- ¿Tenés un grupo bip de lectores?
El Loco:- ¡Quien no! Aunque deben estar que trinan porque los tengo colgados con la promesa de primer capítulo, pero sé que ellos son pacientes, saben que la espera valdrá la pena.
EP:-¿Que te gusta más el comic oriental o el oxidental?
El Loco:- Soy argentino, la respuesta es obvia ¿no?
EP: Editorial Ivrea es una de las editoriales más importantes de materia de comic en el país, ahí publicaron autores argentinos varios mangas. ¿Que pensas vos? ¿Existe el manga argentino? ¿Cómo consideras sus trabajos?
El Loco:- No se no los vi, hace mucho deje de comprar en Ivrea por falta de presupuesto, pero conozco de autores argentinos que usan ese estilo. Yo tengo mis divergencias con eso del “manga argentino” Creo que el manga implica como cualquier otro estilo, mucho más que una simple forma y estilo de dibujar. El comic arrastra mucho del folklore y la idiosincrasia de la cultura en la que se produce y eso influye en su estilo, lenguaje y características particulares. Si tuviéramos que hablar en lenguaje ortodoxo habría que decir que el comic es estadounidense, el tebeo es español, el manga es japonés, y la historieta es argentina, hay años luz de diferencia entre cada uno de ellos, aunque todos son el noveno arte, está mal pensar en que son sinónimos, no son lo mismo.
EP:- ¿Cuál es tu súper héroe favorito?
El Loco:- Los anti héroes.
EP:- ¿No te caen bien los súper héroes?
El Loco:- No es que no me caigan bien, es que me harta la idea de que siempre pretendan exaltar al hombre. Básicamente siempre tenés o un súper hombre o una súper mujer, tenés para los machistas y para los feministas, y eso me aburre.
EP:- ¿Cuál es tu anti héroe favorito entonces?
EL Loco:- Doomsday.
EP:- ¿por qué él?
El loco:- Porque es la muestra de que no existe ningún hombre perfecto e invencible, demostró que Superman podía morir a golpes… y porque se la re banca (se ríe)
EP:- ¿Cómo te ves de cara al futuro?
El Loco:- ¡buena pregunta! Pero yo no conozco el futuro, te equivocaste de persona (se ríe)
EP:- ¿Tenés alguna ambición en particular?
El Loco:- No soy ambicioso, me gusta proponerme metas eso es todo.
EP:- ¿Alguna que quieras comentar?
El Loco:- tengo muchas, publicar mis comics es una. Estar con buen arte en las galerías de arte y museos es otra. Crear una institución de enseñanza de buen arte es otra (esa quizás demostraría que existen cosas mejores para un artista que se inicia que el actual sistema de enseñanza modernista de la academia de bellas artes). Como sea que todo resulte creo que todos los esfuerzos para llegar a estas metas los enfocaría en una sola dirección: que lo que yo haga le sirva a Dios.
EP:- ¿Que se siente ser presidente y fundador del Manicomio II?
El Loco:- nada en especial, lo mismo que vos sentís cuando creas y administras un blog.
EP:- ¿Cómo surge la idea del Manicomio II?
El Loco:- Cuando existía el Manicomio I solamente, recuerdo que había una sub- sección dedicada al arte dentro de la sección imágenes. Con el paso del tiempo me di cuenta que si el arte ocupaba un buen lugar en mi vida, eso debía ser así en el manicomio, así que ahí surgió la idea de levantar un nuevo manicomio dedicado al arte.
EP:- ¿el Manicomio I no se actualiza desde hace mucho tiempo lo abandonaste?
El Loco:- ¡jamás! Abandonado estaría si lo hubiera cerrado, no pude seguir posteando porque me implicaba muchísimo tiempo. Su temática es espiritual, y ¡hay que sentarse a escribir estudios bíblicos! No es soplar y hacer botella. No postear en el Manicomio I no significa haber abandonado la obra de Dios. Dios sabe muy bien donde me pone a trabajar y en qué.
EP:- Se te hace difícil administrar los manicomios.
El Loco:- Es tarea ardua. Mantener el humor, la seriedad, la cultura y todo lo que hay dentro del manicomio es gran trabajo.
EP:- ¿Cuantos locos hay ahí adentro?
El Loco:- ¡muchos! (se ríe)
EP:- Loco, has sido muy amable en prestarnos de tu tiempo para esta entrevista, éxitos en tus planes y tu obra.
El Loco:- No, gracias a ustedes por darme… auto darme (se ríe) la posibilidad de que la gente conozca un poquito más de mí y mi trabajo.

Cartas al reflejo de mi pasado

A ti reflejo de mi pasado, alma sin Dios y de versadas confesiones, dame de tu atención que necesito decirte que yo nunca olvido un rostro. Deberías haberlo sabido. Quedan fijados impregnando mi memoria para siempre, es un don de Dios.

Te recuerdo de forma indeleble ¡oh reflejo de mi pasado! La hora exacta en la que te dije que existen seres que dejan una huella que no se borra nunca más, que moldea el corazón para siempre, aquella misma noche mientras caminábamos en las frías calles grabe tu rostro en el momento que escuchaste esas palabras, y aunque tú no te percataste, algo de ti quedó para siempre con migo, y el tiempo se detuvo.
Tú no tienes ese don divino, por eso no hay un ápice de mí en la memoria de tu corazón; jamás podrás recordarme como yo a ti.
Yo puedo dibujar la línea de tu mentón, el profundo verde de tus enormes ojos, la suave curvatura de tu nariz, el lacio de tu pelo, tus labios pequeños, las delicadas curvas de tu cara, las pequeñas marcas en tu mejilla, tus cejas delgadas que matizan una expresión hermosa, y aunque quizás alguno de tus ídolos de barro lleguen a recordarte un momento, hay algo más que solo yo puedo hacer, ¡puedo realizar una pintura perfecta de tu alma! ¡Te inmortalizare en mi obra tanto como te hiciste inmortal en mi memoria y tú quizás te percates un día. ¡Hare una obra sobre ti! y tu quizás no lo notes. La pintare con lágrimas sobre un lienzo de nostalgia, la titulare con tu nombre, mi pincel acariciara tu rostro, y con la fuerza de mi pulso la firmare para siempre. ¡Seré un genio! y en la posteridad las generaciones recordaran que ese minúsculo genio tuvo un gran amor, una turbulenta y tormentosa historia, un dolor que retrajo su alma hasta la muerte y una esperanza que esperó inmutable hasta el fin. La diferencia entre tú y yo, es que para ti, fui un alma de luz que pasó, pero para mí fuiste única.
Alma sin Dios, reflejo de mi pasado, tú que tienes un nombre que se opone a las tinieblas de tu vida, ojalá leas estas letras un día, jamás las olvidaras, y tanto las recordaras que en tu lecho de muerte repetirás estas palabras: la inspiración no es barata ni se compra a cambio de cosas efímeras, si un artista dedica a ti su obra es porque te quiso demasiado.