Astor Piazzolla

Maestro Astor Piazzolla
1921-1992

Vida y obra de un genio del bandoneón

El manicomio ofrece en la sección maestros del arte artículos sobre la vida y obra de los grandes maestros, en ésta oportunidad presentamos al gran compositor argentino que revoluciono el tango, Astor Piazzolla, ofrecemos aquí una breve reseña a través de los hechos más destacados de su vida, su prodigiosa carrera, sus logros y sus desafíos. A continuación, homenajeamos al gran maestro del bandoneón, al inmortal genio del tango Astor Piazzolla:

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 – Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino.

Según muchos especialistas, fue uno de los músicos de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango (en lo que respecta a ritmo, timbres y armonía) fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja» (ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación). En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.
Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: “Es música contemporánea de Buenos Aires”. Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.
“Si, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos.”

Sus primeros Años
Hijo de padres inmigrantes italianos, Vicente Piazzolla y Asunta Manetti. Su padre le puso su nombre por un amigo, Astor Bolognini, corredor de moto y primer violonchelista de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Piazzolla vivió gran parte de su niñez con su familia en Nueva York, donde desde muy joven entró en contacto tanto con el jazz como con la música clásica de Bach.
“Era un barrio violento, porque existía hambre y bronca. Crecí viendo todo eso. Pandillas que peleaban entre sí, robos y muertes todos los días. De todas maneras, la calle Ocho, Nueva York, Elia Kazan, Al Jolson, Gershwin, Sophie Taulker cantando en el Orpheum, un bar que estaba en la esquina de casa… Todo eso, más la violencia, más esa cosa emocionante que tiene Nueva York, está en mi música, están en mi vida, en mi conducta, en mis relaciones.”
(Astor Piazzolla)
Mientras vivió allí, aprendió a hablar fluidamente cuatro idiomas: castellano, inglés, francés e italiano. Comenzó a tocar el bandoneón en 1929 cuando su padre, nostálgico de su Italia natal, le compró uno en una casa de empeños por 18 dólares. En 1933 tomó clases con Bela Wilda, un pianista húngaro discípulo de Serguéi Rachmáninov.
Piazzola conoció a Carlos Gardel en Manhattan 1934 al llevarle un presente realizado por su padre. Al "zorzal" le cayó muy bien el joven, y le resultó muy útil para realizar sus compras en la ciudad, pues así como Piazzola dominaba el idioma inglés a Gardel le resultaba difícil aprenderlo. Al año siguiente el cantor lo invitó a participar en la película que rodaba en esos días, El día que me quieras, como un joven vendedor de diarios. Gardel invitó al joven prodigio a unirse en su gira por América, pero el padre de Astor decidió que éste era aún muy joven, su lugar fue reemplazado por el boxeador argentino José Corpas Moreno. Esta temprana desilusión probó ser una suerte en la desgracia, ya que fue en esta gira en la que Gardel y toda su banda perdieron la vida en un accidente aéreo. En 1978, en una carta imaginaria a Gardel, Astor bromearía al respecto sobre ese hecho:
“…Jamás olvidaré la noche que ofreciste un asado al terminar la filmación de El día que me quieras. Fue un honor de los argentinos y uruguayos que vivían en Nueva York. Recuerdo que Alberto Castellano debía tocar el piano y yo el bandoneón, por supuesto para acompañarte a vos cantando. Tuve la loca suerte de que el piano era tan malo que tuve que tocar yo solo y vos cantaste los temas del filme. ¡Qué noche, Charlie! Allí fue mi bautismo con el tango.
Primer tango de mi vida y ¡acompañando a Gardel! Jamás lo olvidaré. Al poco tiempo te fuiste con Lepera y tus guitarristas a Hollywood. ¿Te acordás que me mandaste dos telegramas para que me uniera a ustedes con mi bandoneón? Era la primavera del 35 y yo cumplía 14 años. Los viejos no me dieron permiso y el sindicato tampoco. Charlie, ¡me salvé! En vez de tocar el bandoneón estaría tocando el arpa.”

Comienzos de su carrera profesional
Volvió a Argentina en 1937, donde el tango estrictamente tradicional aún reinaba. Mientras tanto, Astor tocaba en clubes nocturnos con una serie de grupos, incluyendo la orquesta de Anibal Troilo, considerado en ese momento el mejor bandoneonista y líder en Buenos Aires. Fue aconsejado de estudiar con el compositor Alberto Ginastera y posteriormente con Raúl Spivak. Introducido en grabaciones de Stravinsky, Bartók, Ravel, entre otros, iba cada mañana a oír la orquesta del Teatro Colón, mientras continuaba tocando tango de noche.
En 1942 se casó con Dedé Wolf y del matrimonio nacieron sus hijos Diana en 1943 y Daniel en 1944.
En 1952 compuso La Epopeya Argentina, un movimiento sinfónico para narrador, coro y orquesta con texto de Mario Nuñez, que sobrevive en una transcripción para piano del compositor, publicada en 1952 por Editorial Saraceno. Es un panegírico al gobierno peronista de esos años, donde la rítmica es cuadrada, predominan los acordes por cuartas y las figuras modales. La voz del narrador no lleva notación. El coro alterna entre la vocalización.
También en esa década continuó con la composición de obras de música tales como Rapsodia porteña, Sinfonietta y Buenos Aires (tres movimientos sinfónicos). Por ésta última ganaría el premio Fabien Sevitzky, por lo que el gobierno francés le otorgó una beca para estudiar con Nadia Boulanger en París, en 1953.
Boulanger fue una pieza muy importante en su carrera, ya que hasta su encuentro con ella, Piazzolla se debatía entre ser un músico de tango o un compositor de música clásica. Nadia Boulanger lo animó a seguir con el tango, pero si hasta ese momento todo era o tango o música clásica, a partir de entonces sería tango y música clásica.
Estudió 11 meses con Boulanger, pero al mismo tiempo formó una orquesta de cuerdas con músicos de la Ópera de París, con Lalo Schifrin y Martial Solal alternándose en el piano, y grabó un álbum con temas como Picasso, Luz y sombra, Nonino (primitiva versión de Adiós Nonino) y Bandó.
Años más tarde Piazzolla recordaría a Boulanger diciendo:
“Ella me enseñó a creer en Astor Piazzolla, en que mi música no era tan mala como yo creía. Yo pensaba que era una basura porque tocaba tangos en un cabaret, y resulta que yo tenía una cosa que se llama estilo.”
(Astor Piazzolla)
En 1959, durante una actuación en Puerto Rico, junto a Juan Carlos Copes y María Nieves, recibe la noticia de la muerte de su padre, Vicente Nonino Piazzolla. Astor vuelve a Nueva York, donde vivía con su familia, y allí compuso Adiós Nonino, su obra más célebre, que conservaría la sección rítmica del anterior tango Nonino, más una sentida elegía de despedida, que se convertiría en un sinónimo de Piazzolla a lo largo de los años.
Frustrado por el intento del jazz-tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente, que sería la base de agrupaciones posteriores y a la que volvería cada vez que se sentía frustrado por otros proyectos: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis en piano, Simón Bajour en violín, Kicho Díaz en contrabajo y Horacio Malvicino en guitarra eléctrica.
Con esta agrupación daría a conocer Adiós Nonino y todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: Las Estaciones (Verano Porteño, Otoño Porteño, Invierno Porteño y Primavera Porteña), La Serie del Ángel (Introducción al ángel, Milonga del ángel, Muerte del ángel y Resurrección del ángel), La Serie del Diablo (Tango diablo, Vayamos al diablo y Romance del diablo), Revirado, Fracanapa, Calambre, Buenos Aires Hora Cero, Decarísimo, Michelangelo ´70 y Fugata, entre otros.
En 1963, forma el Nuevo Octeto, para el cual compuso Introducción a «Héroes y tumbas», con letra de Ernesto Sábato. En ese año también gana el Premio Hirsch por su "Serie de tangos sinfónicos", estrenados bajo la dirección de Paul Klecky.
En 1965, junto al Quinteto, una orquesta formada ad hoc, y con las voces de Luis Medina Castro como recitante y Edmundo Rivero como cantante, graba el disco El tango, que contiene temas con letras de Jorge Luis Borges, incluido Hombre de la esquina rosada, suite para canto, recitado y doce instrumentos.
En 1969, Piazzolla y Ferrer componen la exitosa Balada para un loco, que supondría una popularidad súbita para Piazzolla.
En 1970 retornó a París donde nuevamente junto a Ferrer, creó el oratorio El pueblo joven, estrenado poco después en 1971 en Saarbrücken, Alemania. Al año siguiente fue invitado por primera vez a presentarse en el Teatro Colón en Buenos Aires, junto con otras importantes orquestas de tango. También en 1972, Piazzolla compone, para su Conjunto 9 el "Concierto de Nácar, para nueve tanguistas y orquesta filarmónica", primer antecedente de sus obras sinfónicas para bandoneón posteriores.
En 1973 sufre un infarto que le obliga a reducir su actividad, por lo que se instala en Italia, en donde permaneció grabando durante cinco años. De esta etapa destacaría su trabajo Libertango, obra que él consideró como "su carta de presentación ante el público europeo". Durante esos años también formó el Conjunto Electrónico, un octeto integrado por bandoneón, piano eléctrico o acústico, órgano, guitarra y bajo eléctricos, batería, sintetizador y violín (el cual posteriormente fue reemplazado por una flauta traversa o saxo). Tiempo más tarde, Astor incorporaría al octeto al cantante José Ángel Trelles.
En 1974 se separó de Amelita Baltar, y ese mismo año graba con Gerry Mulligan Summit, junto a una orquesta de músicos italianos. Al año siguiente, el Ensemble Buenos Aires graba su obra Tangazo para orquesta sinfónica.
En 1975, después del fallecimiento de Aníbal Troilo, Astor compone en su memoria una obra en cuatro movimientos a la que llamó Suite Troileana, la cual grabó junto al Conjunto Electrónico. Al año siguiente, en 1976 conoce a Laura Escalada, quien sería su esposa definitiva. En diciembre de ese año presenta junto al Conjunto Electrónico en el teatro Gran Rex en Buenos Aires su obra 500 motivaciones. Meses después ofrecería otro concierto en el Olympia de París junto a una formación similar a la que tocó en Buenos Aires, la cual sería su última presentación junto a una formación de carácter eléctrico.

Sus últimos años
A partir de 1978 volvió a trabajar junto al quinteto Nuevo Tango y retomó la composición de obras sinfónicas y piezas de cámara.
En 1982 escribe Le Grand Tango, para chelo y piano, el cual estuvo dedicado al chelista ruso Mstislav Rostropóvich. En 1985 fue nombrado Ciudadano ilustre de Buenos Aires y estrenó en Bélgica su Concierto para Bandoneón y Guitarra: Homenaje a Lieja.
En 1987 viaja a Estados Unidos, donde graba en vivo en el Central Park junto a la Orquesta de St. Luke’s, dirigida por Lalo Schifrin, sus obras Concierto para Bandoneón y Tres Tangos para Bandoneón y Orquesta. Durante esta etapa en los Estados Unidos también tuvo la oportunidad de grabar Tango Zero Hour, Tango apasionado, La Camorra, Five Tango Sensations (junto al Kronos Quartet) y Piazzolla con Gary Burton entre otros.
En 1988 fue operado del corazón en un cuádruple bypass y a principios del año siguiente formaría su último conjunto, el Sexteto Nuevo Tango formado por dos bandoneones, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y violonchelo.
El 4 de agosto de 1990 en París, sufrió una trombosis cerebral, de la que finalmente fallecería dos años después en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, a los 71 años.

Pequeña rapsodia de invierno

Del fondo del corazón se oye un latir que gime,
un gran dolor que le oprime sin dejarle respirar.
De la onda soledad, trepida un desconsolado canto,
que en su doloroso encanto me recuerda de tu hablar.
No hay motivo más que amor para extrañarte con locura,
Cuan profunda la amargura cuando se quiere llorar
Y no encontrar al ser amado para derramar la agonía,
Es la punzante ironía cuando se ama en soledad.

Opera: Nabucco

Ópera en cuatro actos.

Libreto de Temistocle Solera.
Lugar y época: En Jerusalén y Babilonia, 587 a.C.

Nabucco fue el primer éxito decisivo de Verdi. Sus melodías, armonías y ritmos se vinculan todavía nítidamente a Donizetti, son simples en estructura, pero de un efecto dramático innegablemente fuerte. Cada nota parece tener una auténtica sangre teatral que entusiasma de manera irresistible. La pieza maestra de la partitura es el coro «Va pensiero», una melodía pausada, nostálgica y llena del más profundo sentimiento, en que violentos arrebatos alternan de manera espléndida con atribulados susurros.
Argumento: Había en este libreto dos aspectos que impresionaron especialmente a Verdi. La simpatía por el pueblo hebreo sometido, que lo llevó espontáneamente a una comparación simbólica con los italianos que vivían en las regiones del país ocupadas por los austriacos, y el fuerte elemento religioso, que le prestó apoyo precisamente en esa época casi atea de su existencia. Allí se expresaba la fe que podía mover montañas, y estaba claramente plasmada la victoria de los que luchaban por Dios contra el materialismo pagano.
La ópera comienza con el asedio de Jerusalén por el ejército del rey babilonio Nabucco o Nabucodonosor. Zacarías exhorta a los defensores a que resistan mientras la fiel Fenena esté de su lado; ésta, hija de Nabucco, salvó antaño al rey de Israel, Ismael, de su encierro en Babilonia. Por amor a él lo siguió a su patria. Pero también Abigaíl ama a Ismael: es hija adoptiva de Nabucco, una mujer cruel y orgullosa que cree que ha llegado el momento de vengarse de su rival. Toman por asalto la ciudad; Ismael salva a Fenena del puñal de su padre. Llevan a los judíos prisioneros al llamado «destierro babilonio», la primera diáspora de que hablan los libros históricos de la Biblia y algunos de los más bellos salmos.
Durante la ausencia de Nabucco, Abigaíl se convierte en reina de Babilonia y jura la muerte de Fenena, Ismael, Zacarías y todo el pueblo hebreo. Cree que los tiene a todos en sus manos, pero Nabucco regresa por sorpresa. Exige que, en adelante, ambos pueblos, el suyo y el hebreo, vean en él no sólo a su rey sino también a su dios. Zacarías se opone valientemente a esta pretensión, y Fenena, como esposa de Ismael, se convierte al judaísmo. Pero Nabucco insiste en su delirio. Un rayo lo arroja al suelo. Rápidamente, Abigaíl se pone los atributos reales y pronuncia la sentencia de muerte contra los prisioneros hebreos. Los sentidos de Nabucco se han extraviado, pero cuando sabe que Fenena debe morir también, no da su consentimiento.
En la escena tal vez más bella de la ópera, los hebreos esclavizados están de rodillas a orillas del Eufrates, «en las aguas de Babilonia», como dice el salmo; su oración fervorosa, su anhelo de libertad, la añoranza de la patria lejana se condensan en la inolvidable escena coral de «Va pensiero sull’ali dórate».
Nabucco conoce el peligro en que se encuentra su hija Fenena, que marcha con los demás condenados al cadalso, y ruega por ella a Jehová, el Dios de los judíos. Una luz cae sobre él. Mientras el sacerdote de Baal recibe a las víctimas, Nabucco, otra vez totalmente dueño de sí, aparece ante el pueblo. El ídolo se desploma como por milagro. Abigaíl es herida de muerte; moribunda, se dirige también al Dios de Israel, y pide al rey que una para siempre a Fenena e Ismael. Nabucco reconoce el poder del Dios extranjero. Libera a los israelitas de la esclavitud, y éstos, como estaba predicho, regresan a Jerusalén.
Fuente: La Biblia constituye el fundamento de este drama. La esclavitud de los israelitas en Babilonia y su liberación ha sido representada con frecuencia en el arte occidental.
Libreto: Temistocle Solera (1815-1878) fue un escritor de talento; Verdi lo llamó para que colaborara en una serie de óperas (Oberto, Nabucco, I lombardi, Giovanna d’Arco, Attila). Por supuesto, su arte dramático respondía a la ópera que dominaba en la época, pero hay en Nabucco una serie de escenas que revelan un genio dramático poco común.
Música: Nabucco fue el primer éxito decisivo de Verdi. Sus melodías, armonías y ritmos se vinculan todavía nítidamente a Donizetti, son simples en estructura, pero de un efecto dramático innegablemente fuerte. Cada nota parece tener una auténtica sangre teatral que entusiasma de manera irresistible. La pieza maestra de la partitura es el coro «Va pensiero», una melodía pausada, nostálgica y llena del más profundo sentimiento, en que violentos arrebatos alternan de manera espléndida con atribulados susurros.
Historia: El compositor alemán Otto Nikolai (autor de Las alegres comadres de Windsor) había cosechado prometedores éxitos en la Scala de Milán. Entre los libretos que se le habían ofrecido para ulteriores composiciones se encontraba también el proyecto de Solera para Nabucco. Pero Nikolai no se interesó. Merelli, el empresario de la Scala (hoy diríamos el director artístico), un nombre que casi merece el título honorífico de profeta de Verdi, insistió al joven compositor italiano para que pusiera en música aquel argumento. Mostró con ello una confianza fuera de lo común, pues Verdi había triunfado con Oberto pero también había fracasado totalmente con Un giorno di regno. Además, le había afectado profundamente la muerte de su joven esposa y de sus dos hijos, de manera que atravesaba una profunda crisis anímica. Merelli impuso formalmente el libreto al compositor; cuando éste lo arrojó sobre la mesa al regresar a su casa (Verdi relata el episodio en un breve esbozo autobiográfico), se abrió solo y Verdi leyó la frase «Va pensiero sull’ali dórate…». En el mismo instante se le ocurrió la melodía para estos bellos versos. Y escribió la ópera en un arrebato creativo sin pausa.
El 9 de marzo de 1842 se estrenó triunfalmente en la Scala de Milán. La melodía del coro, que surgió en primer lugar, se convirtió en la canción de súplica y combate de todos los patriotas italianos que se identificaban con el pueblo hebreo en su hora más difícil y se esforzaban por liberarse de la dominación extranjera. La misma melodía sonó en el entierro del maestro, casi sesenta años más tarde, y para entonces ya se había convertido en un himno nacional, que todo niño italiano hasta el día de hoy sabe de memoria.

"My Reason" - Keedie

El manicomio les presenta una tremenda versión del tema principal de la banda sonora de la película Modigliani, ya presentada y muy aclamada en el loquero. “My Reason” interpretada por una grandiosa soprano, “Keedie”, que agrega con su prodigiosa voz el dramatismo que envuelve la historia de este film.

Andrea Bocelli & Josh Groban: "The Prayer"

Caláte este dúo!!!! Grosoos!! Grosos!! Muy grosos de verdad!  Continuando con el ciclo de dúos que abrimos en la sección música hace unos días en la inauguración de las nuevas instalaciones el manicomio les presenta una gran versión de “The prayer” (la oración) conocido tema de la banda sonora del film animado Quest for Camelot, interpretado aquí por dos grandes cantantes del crossover lírico el ya experimentado Andrea Bocelli  junto al joven talentoso Josh Groban; disfrútenlo!!!

Josh Groban & Andrea Bocelli - The Prayer (2008)
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Aforismos

Como ya son un clásico del manicomio los aforismos y reflexiones del loco acá les dejo 53 aforismos para desoxidar las neuronas!! A pensar!!! Disfrútenlo, prometo subir de Leonardo también.

1. La virtud del prudente: saber cuándo debe hablar, y cuando debe guardar silencio.

Si fueras prudente cerrarías tu boca en estas cuestiones. Pero el necio y el prudente son la personificación del antagonismo entre la sabiduría y la estupidez.
2. El hombre necio siempre habla en demasía de lo que no conoce, y detesta hablar de lo que su orgullo no aprueba.
3. Pero el sabio, de lo que no conoce, no habla, de los que saben aprende en silencio, y de lo que conoce, no se jacta.
4. El necio discute.
5. El sabio aporta.
6. El necio se jacta.
7. El sabio enseña.
8. El necio oye el consejo para argüir siempre en su contra.
9. El sabio oye el consejo para aprender.
10. El necio se cree dueño de la razón.
11. El sabio es dueño de la humildad.
12. El necio a la humildad la llama autoestima pobre, y a su necedad inteligencia.
13. El sabio cuanto más sabe más humilde es.

Sobre el juicio:
14. El hipócrita y el orgulloso todo lo juzgan indiscriminadamente y sin atenuantes.
15. El justo y piadoso todo lo juzga midiéndolo con la verdad y considerando los atenuantes.
16. El imprudente y facilista no juzga nada.

Sobre el amor:
17. El egoísta se entristece cuando no corresponden su amor.
18. El justo se goza en amar.
19. El ignorante cree que el amor es un sentimiento.

Sobre la búsqueda
20. El necio hace preguntas pero no busca respuestas.
21. El sabio hace preguntas y busca respuestas.
22. El ignorante no hace preguntas ni busca respuestas.

Sobre las dadivas:
23. El avaro se fija en lo que tiene.
24. El generoso da todo lo que puede.
25. El mezquino se fija en lo que da.
26. El glotón no se fija en nada porque jamás en su vida ha dado algo.

Sobre mirarse a sí mismo:
27. El Materialista se mira lo externo.
28. El justo se mira completo y agradece a Dios todo lo bueno que ha hecho.
29. El desagradecido no mira, porque no considera que haya algo bueno que mirar en el.

Sobre mirar a otros:
30. El materialista mira a los demás y los valora por lo que agrada a sus ojos.
31. El desagradecido mira a los demás y dice que lo que importa es solo lo de adentro.
32. El justo mira a los demás completos y agradece a Dios todo lo bueno que les dio.
33. El perverso y orgulloso no mira a nadie por considerarse demasiado perfecto y los demás demasiado defectuosos.

Leyes de la siembra y la cosecha:
34. Siembra deshonestidad y cosecharas abandono
35. Siembra mentiras y cosecharas incredibilidad
36. Siembra indiferencia y cosecharas insensibilidad
37. Siembra orgullo y cosecharas vergüenza.
38. Siembra insolencia y cosecharas castigo.
39. Siembra mezquindad y no cosecharas nada, y morirás de hambre.
40. Siembra fe y cosecharas misericordia
41. Siembra amor y cosecharas gozo.
42. Siembra paciencia y cosecharas soluciones.
43. Siembra mansedumbre y cosecharas paz.
44. Todo lo que en la vida coseches siempre será el fruto magnificado de aquello que sembraste. Cuídate pues de sembrar buena semilla, no sea que siembres la mala y coseches abrojos, espinos, y cardos por el resto de tu vida.

Poli temáticos:
45. No me lea quien no sea pensador, o filósofo, pues yo, como artista, lo soy en mis principios, considerando que el artista debe siempre ser un pensador social.
46. La dignidad de un hombre no se mide por lo que posee sino por lo que hace.
47. Todo lo bueno, admirable, y bello que hay en el hombre proviene de Dios, todo lo malo y perverso que hay en él, viene de sí mismo.
48. Joven estudiante que te deleitas en el descubrimiento del arte, atiende este consejo: Más vale el buen artista y mal maestro, que el buen maestro y mal artista, porque ese último será muy diestro en enseñarte a hacer basura.
49. Los que creen que lo que hacen es arte cuando en realidad no lo es, lo que reciben no es valoración sino una mentira. Una mentira tan grande como la autovaloración de su propia obra. Porque ellos no conocen la valoración al esfuerzo y el sacrificio que demanda la genialidad
50. Cuando vayas a aconsejar a alguien, procura discernir si quien recibe tu consejo está en condiciones de comprenderlo. Ten siempre cuidado de reconocer cuáles son tus batallas y cuáles no, porque no todas las guerras que hay en la vida son tuyas.
51. Es inviolable el principio fundamental de la muerte de una obra. Cuando esta carece de la sensibilidad para definirse razonablemente a sí misma, es porque su autor carece de la capacidad de sentir a conciencia lo que hace.
El artista no necesariamente está obligado a plasmar todo lo que siente, pero está forzado bajo tal ley a sentir todo lo que expresa.
52. Una obra de arte es un pensamiento, el cual se origina primero en el alma, y en la mente se lo pule, se lo moldea y trabaja, dándole forma cuidadosa y acabadamente. Finalmente, se lo expresa con virtud, destreza, y belleza sin igual.
53. Quien no aprende a perdonar tarde o temprano morirá de soledad.

The 10 Bush's moments ^_^

Ganó el nabo podrido edición 2009, el codiciado premio que otorga el manicomio a la estupidez de los personajes famosos del globo.

A modo de recordatorio de nuestro siempre célebre personaje bufonesco del loquero presentamos aquí un pequeño homenaje a GeorgeW. Bush en sus 10 mejores participaciones!!

Felicidades Mr. President!

Acuarelísticamente Impresionista

¡Siempre experimente! Busque técnicas y formas propias de desarrollar mis trabajos, por eso el aprendizaje de una técnica siempre fue de la mano con el desarrollo de un estilo propio, nunca nadie me vendió sus trucos. Últimamente había estado trabajando con acrílico usándolo bastante licuado, es una alternativa a la acuarela. Pero yo lo usaba en colores crudos la mayoría de las veces combinado con el alto contraste de la tinta china del comic. No lo he dicho, siempre hay un buen momento para confesiones, pero la lentitud del oleo me aburre un poco aunque sos resultados al final siempre me complacen.

En mi experiencia como artista siempre abracé, defendí y promoví los postulados del impresionismo, vanguardia poco estimada en un mundo dominado por las corrientes antifigurativas, anti realistas.
He amado y siempre amaré las grandiosas teorías del estudio de la luz, el célebre y sublime enunciado: “el color es luz”; pero por desgracia, mis manos siempre han sido lentas en el oleo. Y el impresionismo es capturar la impresión, atrapar en un lienzo la fugacidad del instante, simple sencillo, y hacerlo eterno. Encontrar ese vínculo estrecho entre el motivo de la obra, tan momentáneo, y el sentimiento del artista, sus ideas y su vida, y para eso es necesaria una mano veloz. Y aunque inquirí muchos métodos no había encontrado dentro de la pintura alguno que me proporcionara esa velocidad. Por eso el dibujo, que es la ciencia que domino con más experiencia que la pintura, era mi único escape. Sin embargo, como sucede con aquellas herramientas que uno tiene siempre en el fondo del baul y las ve siempre llenarse de polvo pero jamás usa, así estaba la técnica de la acuarela. Tome su método pero lo aplique al acrílico que era el material que tenía en mi estudio en ese mismo instante que se me ocurrió probarla. El resultado fue… ¡glorioso!… sí, esa es la palabra. Luz hecha color, plenairisme en el papel (aunque confieso que trabajo en estudio mayormente pero tengo una gran capacidad de retener en mi memoria formas, tonos, y matices naturales). Un precioso mediodía en un jardín lleno de flores, arboles, una torre de una casona de fondo, y una fuente sin agua en primer plano. Inspiración: ¡Vivaldi! Que mejor que aprender de los maestros. El creo su primavera musical, yo compongo con el trazo de mi pincel la primavera visual, un estallido de luz y color que empieza suavemente y termina en vigoroso esplendor. Será este el primer movimiento. Y solo tarde algunas horas repartidas en dos días en componerlo, mañana daré los ajustes finales. Encontré la velocidad, y más aun, el color que el impresionismo tanto persigue. Estas serán buenas obras, y con el tiempo espero que sean grandes obras.

Vida y obra de Maurice Utrillo

Maurice Utrillo
1883-1955

El Manicomio les ofrece un repaso por la vida y obra del gran artista del Paris bohemio de principios del S. XX Maurice Utrillo (París, 25 de diciembre de 1883 – París, 5 de noviembre de 1955).
Pintor francés de principios del siglo XX dentro de la denominada Escuela de París, que es el nombre que con el que se engloba al grupo de pintores que se reunió en París en el periodo que transcurre entre las dos guerras mundiales, estos eran en su mayoría extranjeros y no se adherían a ninguna escuela renovadora en particular, pero tampoco las desconocían, sino que por el contrario tomaban de ellas sus logros más importantes. Su pintura se mantenía en algunos aspectos dentro de la representación realista tradicional, pero adoptando mayor libertad en el uso de la forma y el color. Dentro de este grupo es donde enmarcamos a Maurice Utrillo con Marc Chagall y Modigliani entre sus principales figuras. Utrillo se puede considerar una de las grandes figuras de la pintura del siglo pasado.
Hijo de la pintora y modelo Suzanne Valadon (que había sido modelo de Renoir antes de ser una pintora reconocida y dejar de tener que posar para otros), fue legalmente reconocido y adoptado por Miquel Utrillo (ingeniero que lo abandonó todo por su vocación artística y que más tarde dirigiría en Barcelona la construcción de Pueblo Español para la Exposición Universal de 1929). Hombre atormentado por el alcohol y su gusto por la noche, fue orientado por su madre hacia la pintura. Con ésta, el también pintor André Utter, formó la llamada Trinité maudite, grupo familiar famoso por sus excentricidades y su vida desordenada y autodestructiva. Sus problemas con la bebida condicionarían su trayectoria vital y pictórica, ya que sus visitas a centros de salud fueron constantes a lo largo de su vida.
Formó parte de la excepcional colonia de artistas que se reunió en París a principios del siglo XX, fue compañero de fiestas y cafés de Modigliani entre otros artistas. En París había dos grupos en pugna: la banda de Picasso y el grupo de Matisse. Pocos quedaban fuera de la influencia de estas dos personalidades, y entre éstos podemos mencionar a tres artistas que compartieron el rechazo a estos grupos y manifiestos varios (Filippo Tommaso Marinetti con el futurismo…), la marginalidad y una vida trágica: Maurice Utrillo, Chaim Soutine y Amedeo Modigliani.
Utrillo está considerado como el pintor de Montmartre por excelencia. Tuvo una prolija obra que en su momento fue muy poco valorada, hasta el punto que sus cuadros posteriormente considerados obras maestras, en su día apenas le dieron para vivir. A tal punto llega su influencia (como el de toda esta generación que cambio la concepción del arte y la estética para siempre) que su trabajo sirvió de inspiración en Hollywood para la realización de los decorados en películas como Un Americano en París, ganadora del aplauso del público y la crítica con varios premios de la Academia.
Hacia 1909, comenzó a exponer en muestras colectivas; en el Salón de Otoño exhibió su obra El pont de Notre-Dame; en 1912 expuso en la Galería Drue, y en el Salón de Otoño mostró Rue à Sannois y Rue au Conquet. Sus primeras exposiciones en solitario datan de 1913, en el Salón de los Independientes y en la Galería Blot, en la que presentó alrededor de treinta cuadros.
A partir de ese momento sus obras se exhibieron con frecuencia en las más prestigiosas salas y, ya en 1925, era considerado como uno de los cinco pintores más célebres de París. Mantuvo amistad con Modigliani, al que conoció en una de sus frecuentes fiestas "báquicas".

Obra

-Mont Saint Michel. -Le Moulin de la Galette en el San Francisco Art Museum de San Francisco. -Rue Custine a Monmartre en el Hermitage Museum en San Petersburgo en Rusia. -Chateau De Chastelloux. -Lapin agile en la Arthur Ross Gallery at the University of Pennsylvania -Sacré Coeur. -La Maison rouge. -Marizy-Sainte-Genevieve.
Entre muchas otras obras pintadas bajo la influencia de las diferentes corrientes artísticas y también del cubismo, pinturas donde retrata París pero también pueblecitos y paisajes típicamente rurales, castillos, catedrales. En sus inicios, imitó las formas impresionistas de Sisley, Pissarro y Raffaelli, pero hacia 1902 comenzó a pintar paisajes sórdidos acordes con su estado de ánimo. En 1907 se desligó de las influencias impresionistas y se inició su denominada "etapa blanca", época de gran fecundidad. Dejando atrás épocas en las que predominaron los tonos rojos y azules, su obra comenzó a sentir la influencia de su madre y adquirió una gran madurez.
En 1935 se unió a la pintora Lucie Valore; este matrimonio le aportó serenidad y favoreció una intensa producción, que no se limitaría únicamente al lienzo sino que se vio enriquecida con la elaboración de decorados y trajes para representaciones teatrales.
Utrillo ha sido uno de los pintores modernos más imitados; algunos de los cuadros que llevan su firma son originales de su madre y de su suegro, Andre Utter, o bien se trata de apócrifos. En la actualidad, su obra está representada en los principales museos de Arte moderno.

Dibujando el pasado

Hace algunos meses atrás tuve la oportunidad de conseguir algunas películas dedicadas a la vida de algunos de los grandes artistas de la historia. Vi El Greco, Amadeus, Girl with a pearl earring, Goya’s Ghosts, Inmortal Beloved, Pollock, Copying Beethoven, y Modigliani. Todas con una buena interpretación del papel central por parte de los actores y algunas mejor ambientadas que otras. Pero sin dudas es la última de las que mencioné en la lista la que más me gusto. La historia es dramática, intensa, tiene una atmosfera asfixiantemente melancólica y en algunos puntos bizarra. EL papel de Modigliani, Jeanne y Picasso son verdaderas pinceladas biográficas de lo que pudo ser la relación, personalidad y sentimientos de estos tres personajes centrales. Pero lo que más me impacto fue la tragedia de la historia entre Modigliani y Jeanne. Realmente tortuosa! Tanto me atrapo el interés por esta historia que hasta investigue como fue la realidad y me asombre en hallar pocas diferencias entre el film y lo que en verdad pasó.
No quiero que me malinterpreten, Modigliani no es un ejemplo artístico a seguir por mí, más bien es un rival ideológico si es que hablamos de arte, personalmente creo que él fue uno de los tantos contribuyentes a que la pintura tomara por caminos muy lejanos a los de la sana belleza y estética que había tenido en tiempos pasados. Sin embargo aun así admiro a Modigliani en el único hecho de que él supo no enmarcarse dentro de ninguna de las tendencias de la época a pesar de que eso le costó hambre, y no se doblego ante la tendencia dominante ni vendió sus obras al vil metal como muchos lo hacen ahora (aunque ahora también se venden al vil facilismo, a la ley del menor esfuerzo y al escape que la abstracción ofrece contra la falta de capacidad que en tiempos de Da Vinci, por ejemplo, habría dejado a un aspirante a artista fuera de juego). Su actitud de defensa y lucha fue loable, aunque no lo fuera su arte para su tiempo, ni para mí ahora.
Pero Insisto en que lo que me atrapó fue su relación con Jeanne, una locura sentimental desde el comienzo hasta el final, construida como una tragedia, y que finalmente terminó, como en las mejores páginas de la lirica, con la muerte de ambos.
Mirando aquel famoso retrato que Modigliani hizo de Jeanne es que empecé a trazar un camino para reconstruir gráficamente la historia.
Por el estilo de Modigliani es imposible saber solo a través de sus cuadros lo que realmente vieron sus ojos. Una extraña manía dentro suyo tergiversaba la realidad en ojos almendrados rostros afilados y cuellos largos, por qué no lo sé, pero si sé que aun esa tergiversación fue útil en cierto modo para que sumado a los datos históricos y gráficos que quedaron de Jeanne, pudiera con mis lápices de color formar la imagen definitiva de lo que con bastante certeza vieron los ojos de Modigliani aquel día realmente.
Supe que él respetaba los colores originales, y que también respetaba más o menos bien el diseño de la ropa de sus retratados. Las fotografías de principio de siglo que encontré de Jeanne eran obviamente bastante elocuentes en cuanto a su aspecto físico general pero no en cuanto al color. Debo decir también que causa una sensación muy extraña retratar a una persona que uno sabe que lleva casi un siglo muerta, se parece a esas historias de casas antiguas con leyendas tormentosas donde se dice que las almas en pena de aquella casa aun deambulan por sus pasillos y donde uno puede hallar en la sala fotografías antiguas de quienes fueron los protagonistas y habitantes de dicho lugar.
Para armar la ventana al pasado fue necesario sumar las dos visiones, la visión que Modigliani tenía de su mujer, y la visión que la realidad mostraba respecto de ella. La realidad muestra a esa mujer cuyo mundo interior era un trágico misterio, que jamás nadie vio sonreír, pero solo en las pinturas que quedaron de ella está plasmada la atmosfera de su vida. Esto fue, probablemente lo que Modigliani vio:


Jeanne Hébuterne.
Versión: El loco. Año: 2009







Jeanne Hébuterne.
Version: Amadeo Modigliani Año 1918



Libertango por Richard Galliano

Locos aficionados al tango, acá les dejo una tremenda versión del Libertango de Piazzolla interpretada por el gran acordeonista franco – italiano Richard Galliano, amigo de Astor Piazzolla quien lo invitara a participar como primer solista de bandoneón en una comedia francesa inspirada en el “sueño de una noche de verano” (Shakespeare) con música original de Piazzolla, dando como origen a partir de esto una gran amistad entre ambos músicos. Aquí, Galiano interpreta Libertango con una marcada influencia jazzística y un impecable virtuosismo en la ejecución.

Un pasaje de "Arce, memorias del desierto"

Artwork del cómic "Arce
memorias del desierto"
secuela de "En Nombre de Dios"
cuya autoria de ambos pertenece al artista
argentino Lucas Martínez.

Hola locos aficionados! Les dejo para que se entretengan un fragmento de algunas palabras que dice Jac, el personaje del comic que ha creado el loco fundador de este manicomio, y que redefine definitivamente la óptica de la historia de las cruzadas!! Espero lo disfruten:


-¿Has visto a un lobo cazar? Mientras su pequeña presa se halla paciendo sin advertir el peligro, él la mira a la distancia oliendo su sangre, se acerca a ella con astuto sigilo, en sus venas arde una monstruosa y apasionada tormenta de violencia que duerme en la calma del instante anterior inmediato a la muerte. Su pequeña presa ignora el monstruo que hay dentro de esos ojos que al mirarla la hipnotizan, queda inmovilizada mientras el lobo la seduce, y en una ráfaga inusitada se abalanza con un ataque certero y mortal sobre su víctima que solo siente brotar ríos de tibia sangre a través de su piel. Así son algunos hombres dotados de un inmenso poder para despedazar con sus garras frágiles corazones que solo buscan llenar su desesperante vacio con forma de Dios. Jamás domestiques un lobo, porque una vez que esté a tu lado nunca podrás distinguir si lo que has dejado entrar a tu corazón es tu salvación o tu verdugo.-

©Lucas G. Martínez

Las crisis según Einstein

Albert Einstein (Ulm, Alemania,
14 de marzo de 1879 – Princeton,
 Estados Unidos, 18 de abril de 1955)

Aquí les dejo una muy buena reflexión de este gran hombre de ciencia y sabiduría, algunas de sus frases marcaron una huella en el siglo pasado y son recordadas hasta hoy. En una línea de pensamiento ortodoxo ordenado y conservador Einstein supo dar explicaciones sencillas a muchos problemas sociales políticos, económicos, religiosos, y existenciales que tomaban protagonismo en el ámbito de opinión de su época y que curiosamente son muchos de ellos muy actuales aun, razón por la cual hoy todavía se recuerdan muchas de las palabras de este gran científico sin que el tiempo desgastara su vigencia.

Con ustedes… el profesor Albert Einstein:


"No pretendamos que las cosas cambien si siempre hacemos lo mismo. La crisis es la mejor bendición que puede sucederle a personas y países porque la crisis trae progresos.
La creatividad nace de la angustia como el día nace de la noche oscura.
Es en la crisis que nace la inventiva, los descubrimientos y las grandes estrategias. Quien supera la crisis se supera a sí mismo sin quedar ‘superado’.
Quien atribuye a la crisis sus fracasos y penurias violenta su propio talento y respeta más a los problemas que a las soluciones.
La verdadera crisis es la crisis de la incompetencia. El inconveniente de las personas y los países es la pereza para encontrar las salidas y soluciones.
Sin crisis no hay desafíos, sin desafíos la vida es una rutina, una lenta agonía. Sin crisis no hay méritos.
Es en la crisis donde aflora lo mejor de cada uno, porque sin crisis todo viento es caricia.
Hablar de crisis es promoverla, y callar en la crisis es exaltar el conformismo.
En vez de esto trabajemos duro. Acabemos de una vez con la única crisis amenazadora que es la tragedia de no querer luchar por superarla."

ALBERT EINSTEIN

Réquiem para un gran amor

Aquí dejamos un bello verso lírico escrito por un loco del manicomio. Gran trabajo proverbial!! transmite con sentimiento y pasión la idea de una despedida.

RÉQUIEM PARA UN GRAN AMOR

Sinfónica destrucción de sentimientos, obra maestra del final,

Borra con violenta belleza del amor cada lamento,

Que en caos de memoria eternal se archiven tantos recuerdos

Que guardan aquel momento en el que te vi sonreír,

Que el destino y su amigo el tiempo se apiaden de cada herida

Que el espiral de la vida no supo reconstruir.

Si en el mar del impasible olvido has de ahogar tu memoria

¿Cuánto vale aquí la historia cuando se quiere olvidar?

¿Y cuánto vale cada beso de una pasión transitoria

Que con aspiraciones de eterna vio su anhelo agonizar?

No cura el tiempo, ni el amor muere en el camino andado,

Las heridas no se borran, solo dejan de sangrar

Pero es en vano el que se aferra como un náufrago al pasado

Llorando y viendo al tiempo su barca de amor zozobrar.

Tú lo sabes, no es de sabios, andar sumando las lagrimas

Como si una fortuna de llanto pudiera quizás comprar,

Aquello que inmisericorde, el destino le ha robado,

¡Que insensato el que ha pensado que lo puede recuperar!

¡Que torpeza el que ha creído de su propiedad al ser amado!

Es en vano que haya intentado evitar su inminente partir

Así como Dios bendice también puede maldecir,

Y te puede quitar lo que es suyo así como lo ha otorgado.

Hombre necio es el que espera quimérico algún retorno

Que por esperar el pasado pierde de vista el vivir

Que intenta no sonreír guardando luto permanente

Como fantasma entre tanta gente deseando solo morir.

Si indiferente a lo sucedido reanudaras hoy tu vida

Yo he de rehacer la mía deseándote lo mejor

No habrá desdén ni amargura después de la despedida

No es sabio perder a una gran amiga cuando se ha perdido un gran amor.

No confundas con abandono, o indiferencia mi olvido,

No son celos ni es revancha lo que yo quiera tomar,

Pero has sido única en todo y duele que no sea reciproco

Y que tan pronto me he ido alguien ocupe el lugar.

No estaré allí para verlo y aunque duela el admitirlo

Si te hace vivir feliz el nomadismo sentimental,

Yo lo prefiero así, y feliz estoy de haber sido

Aunque fuera por poco tiempo tu todo y felicidad.

No será para mí lo mismo, tú no fuiste alguna más

Y en mi largo caminar he de llevarte presente

Aunque en la multitud de la gente conociera alguien mejor

Es de incalculable valor que me amaras de verdad un instante

Y recordaré con cariño que tú fuiste mi gran amor.

Tiempo es ya de partir, aunque no he de irme como amigo,

Siempre estaré con trigo aunque he de continuar,

Mi corazón puso rumbo hacia alguna incierta vía,

Y aunque aquí tendrás un amigo en el cual siempre confiar

Se pondrá fin a este amor que con otros ojos te mira

Como le pone fin a un poema un pequeño punto final.

Face to face: Amy - Katherine Jenkins

Les presento un face to face en el manicomio! He aquí la demostración de cuanto puede cambiar una obra musical cuando un arreglista se esmera en un arreglo sencillo pero contundente, de más está decir también que hay mucho mérito en las grandes cualidades vocales que puede aportar la cantante lírica que se seleccione. Si bien Amy (vocalista del grupo de rock Evanescence) tiene la formación lirica como para ponerse en ese nivel, ella no termina de explotar nunca este potencial, y en cambio, si lo hace Katherine proporcionándole al mismo tema un estilo absolutamente renovado, más armónico, pero al mismo tiempo aporta al tema sobre sus minutos finales un poderoso y tempestuoso clima que no requiere de la distorsión instrumental caótica del rock, solo se basta de una poderosa connotación operística que agrega el dramatismo justo.

Bring me to life versión original de Evanescence


Bring me to life versión de Katherine Jenkins

Pavarotti & Bocelli en vivo

Siguiendo con los duos acá el manicomio se enorgullece en presentar a dos grandes de la música lírica, como pocas veces se los ha visto juntos en vivo: Luciano Pavarotti & Andrea Bocelli interpretando dos piezas clásicas de la música italiana.

Gran versión de "La Califfa"

Para inaugurar formalmente el muro del Manicomio, presento aquí una versión de “La Califfa” conocida obra de la banda sonora de la película homónima creada por el célebre compositor  italiano de música para cine Ennio Morricone.

Ésta obra, que ya han interpretado otros grandes cantantes de la música lírica y crossover como Sarah Brightman y Hayley Westenra, es ahora interpretada en la voz de la gran mezzo Katherine Jenkins que hace un dúo en perfecto complemento con este grandioso trompetista que hasta ahora no he podido identificar (se ruega la colaboración de todos los locos lectores, si alguno sabe quién es por favor compártalo aquí!!!). Notaran la forma sutil con la que la trompeta “resbala” sus notas, las entradas suaves precisas y llenas de expresión que van conformando un verdadero dialogo de belleza suprema entre la voz y el instrumento que son los dos grandes protagonistas de esta gran interpretación. Raya entre lo sublime y lo armonioso y para no agregar más, porque cualquier palabra sobra acá los dejo para que disfruten de esta gran obra…

Manicomio en construcción

Estimados lectores, locos lindos, locos pacíficos, locos delirantes, obsesivos compulsivos, aficionados al arte que tocan de oído y profesionales, semi - profesionales, chantas, no tan chantas y todo lo que se les ocurra… he aquí las instalaciones donde funcionara la página que era en live spaces el polo cultural de la red, magníficas instalaciones por cierto! Al menos mejor que las de Wordpress. Rogamos a ustedes la paciencia debida ya que éste sitio estará en construcción durante las próximas semanas, hasta entonces notaran sucesivos cambios de interfaz, modificaciones de diseño, agregados paulatinos de información y todas esas giladas que uno hace cuando está construyendo la página. Con el tiempo intentaremos migrar toda la info que se hallaba en el antiguo sitio donde estaba el manicomio, y de esa manera nuestro blog se convertirá en el gran centro de información, profundas reflexiones, análisis críticos, intercambio de ideas, antro de delirios y ácidos humores, en lo pertinente a las artes y la cultura.

Les saludo cordialmente! Sean todos bienvenidos!